Old Boy

La Película

Segunda parte de la trilogía de la venganza de Park Chan-wook, Old Boy (2003) relata la historia de Oh Dae Su, un tipo corriente aunque algo conflictivo que una noche es secuestrado. Tras 15 años de encierro es puesto en libertad y su meta será encontrar al culpable para vengarse. En su búsqueda deberá viajar a su propio pasado para encontrar las respuestas.

Siguiendo con la temática de Sympathy for Mr Vengueance y Sympathy for Lady Vengueance, nos encontramos ante unos personajes con los que simpatizas debido a las circunstancias, puesto que no es culpa de ellos encontrarse en esa situación, o por lo menos no han tenido un comportamiento que provoque que sean tan brutalmente castigados. Es de esta manera como el director consigue que estas personas puedan ser llamados «héroes», aunque en realidad no hay héroes ni villanos en sus películas.

Yeong-wook Jo, el compositor

También conocido por Cho Young-wuk, nacido en 1962, es un compositor de Corea del Sur de música para películas, la mayoría de sus trabajos han sido con el director Park Chan-wook, como este Old Boy, la tercera parte de la trilogía de la venganza Sympathy for Lady Vengeance, la comedia absurda I’m a cyborg but it’s ok, o el drama-terror Thirst.

La música en Old Boy

Lo primero que hay que destacar al hablar y examinar de la banda sonora original de esta película es el nombre que se le ha dado a cada tema. Normalmente los títulos de la música hacen referencia a la escena para la que fueron creadas y este filme no es distinto en ello, pero sí en el hecho de que el nombre de cada canción corresponde a su vez al de una película. Esto no quiere decir que sea fundamental conocer todos los temas para entender la película, pero sí que el saberlo enriquece la visualización del largometraje, incluyendo el dato de que muchas de las películas que se mencionan tienen una trama similar a la de Old Boy.

A nivel general, mencionar que las canciones suelen anticiparse de manera breve o media, pero es común oírlas terminar de una forma brusca, interrumpidas por otro sonido, normalmente el de un móvil.

La utilización de la música a lo largo de toda la película está totalmente justificada y planificada, tanto director como compositor se unen para que audio e imagen se complementen a la perfección, anticipándose una a la otra alternativamente, y dando pistas al espectador para que sea partícipe del mundo en el que viven estos personajes.

A nivel musical, es llamativo el uso de sampleo, instrumentos electrónicos, frente a música orquestal, que también está presente aunque en menor medida, y la fusión que hace el compositor entre estas dos formas. También hay que mencionar el uso de frases de la película para introducir alguna de las canciones.

Temas destacables de la película

1. Look Who’s Talking
   Tema inicial de la película, acompaña a los créditos de inicio y a la primera escena, a la que le da fuerza, ya que es con el golpe de música con el que nos metemos en la película. No es el tema del protagonista pero es su carta de presentación.Volvemos a él una vez pasado todo el flashback en el que se nos cuenta su historia. El hecho de utilizar de nuevo este tema ayuda a situarse al espectador en el mismo punto del principio de la película, avisa que el flashback ya se ha terminado.
2. Somewhere In The Night y Out of the past
   Al igual que pasaba con el primero, esta es la carta de presentación del villano (que no su tema principal), al que tardaremos en ponerle rostro, por ello es título es tan significativo. Además acompaña al resto de créditos de inicio en casi la totalidad de su duración, aunque no en un primer plano, sino que está acompañado por efectos distorsionados de relojes, como significado de la relevancia del tiempo en la película. Esta melodía ayuda a mantener la continuidad en las escenas que abarca. Pasamos contantemente del presente al pasado alternando los personajes que se mueven por todo el colegio buscando un recuerdo, buscando en el pasado que es lo que le ha llevado hasta esa situación.
3. The Count Of Monte Cristo
   El nombre de esta pieza es particularmente importante ya que nos indica que este personaje es como el Conde de Monte Cristo, encerrado injustamente durante años (el personaje ya nos ha dicho que va a estar en esa habitación 15 años). Como el conde, Oh Dae Su, es un personaje que se acabará moviendo por la venganza. Posteriormente en la película se alude al libro El Conde de Monte Cristo, por lo que de nuevo el título cobra importancia.
   Poco antes del comienzo de este tema en la escena, se puede oír una música de un teclado electrónica, que está relacionada con el gas que duerme al protagonista, tal y como éste nos explica. Aún es pronto para saberlo en lo que a la película se refiere, pero ese es el tema del villano. Se produce aquí un intercambio instrumental, además de que es la primera música que oímos de forma diegética, aunque es fuera de plano. Esta misma melodía se repite poco antes de que el protagonista se libere y remarca la idea de que todo tiene una motivación, que él sale no porque haya encontrado una salida, sino porque el villano así lo quiere.
   Durante su encierro llega a la locura, mediante un proceso que es acompañado por la música en una prolongación de tres escenas, locura que alcanza su punto más alto cuando se imagina hormigas saliendo y entrando de su cuerpo, en el mismo momento que el tema pasa a un primer plano combinado de nuevo con efectos de sonido de las lámparas y los gritos ahogados de él.
4. Jailhouse Rock
   Con una breve anticipación entramos en este tema. Un poco más rítmico que los anteriores, lo que hace que marque un poco el contrapunto. En este momento del filme, Oh Dae Su ya ha tomado la determinación de que va a salir y va a llevar a cabo su venganza. La música nos acompaña a través de todo este proceso que dura años. De hecho mediante una pantalla partida vemos por un lado su progreso con el agujero y distintas noticias en la televisión que revelan al espectador en que año está en cada momento. El tema está montado en su totalidad y en un primer plano, compartiendo protagonismo con la voz de él y dejando sin sonido las noticias que vamos viendo.
5. Point Blank
   Podría asociarse este corte al personaje de la hipnotizadora, puesto que es como ella, breve pero fundamental en la historia, marca un antes y un después, del encierro a la liberación. Además cubre en su totalidad un raccord de aprehensión retardada, técnica del montaje por el que nos creemos en un lugar cuando finalmente descubrimos que estamos en otro. En este caso creemos estar en la ilusión o sueño de él, cuando en verdad nos encontramos en la azotea del edificio, momento en el que termina la música. El espectador también sale del sueño con ello.
6. In A Lonely Place
   Primer y nuevo tema una vez que el personaje está en libertad. En esta ocasión el título del tema es relevante aunque no tanto la película a la que hace referencia. Se puede tener en cuenta la semejanza de los dos protagonistas, inculpados por un delito no cometido, pero ahí se acaban las similitudes. Aun así el título es importante porque describe al personaje, está solo en un lugar, en una ciudad que es casi nueva para él, sin un lugar a donde ir, sin nadie a quien acudir. La música transmite esa soledad del personaje a través de la melodía principal interpretada por un instrumento de viento (probablemente un saxofón retocado de forma electrónica), que destaca por encima de una base rítmica, muy a juego con las imágenes, la mayoría cotidianas, que se muestran en la escena.
7. Dressed To Kill
   La introducción de este tema en la película es curiosa. El personaje está en un restaurante que podríamos deducir japonés por la indumentaria de los cocineros y la comida de la que hablan, donde se escucha de manera muy sutil una música diegética fuera de campo. Esta se corta totalmente cuando suena el móvil, de nuevo con el tema del villano, por lo que el espectador empieza a sospechar que esa música es importante. Al igual que ocurría cuando sonaba en la habitación, usa el recurso de intercambio instrumental. Tanto el personaje como el espectador ya van a estar atento cuando suene de nuevo este tema.
   Justo después de que descuelgue el móvil, y tras un breve silencio suena este tema. El título no podría estar más justificado, puesto que el villano le pregunta por su vestimenta. El ritmo de la escena se ayuda de la repetición de compases con variación de instrumentos, reflejo de la conversación que se está teniendo en la escena. Termina de manera brusca cuando el villano cuelga el teléfono.
   Este tema vuelve a sonar cuando Oh Dae Su averigua quien ha sido el responsable de su encierro. Ha respondido por fin a una de las preguntas pero lo realmente importante es que se funde con el tema del malo, aunque esta vez la imagen que vemos en la de una chica, la hermana del villano, y se prolonga varias escenas terminando en una combinación de planos del protagonista y del malo con quien se justifica la diégesis de la música mediante un traslado del espacio diegético y el recurso de la heterodiégesis.
8. It’s Alive!
   Apenas termina el tema anterior ya oímos el siguiente, es una breve anticipación de la siguiente escena, en la que le vemos reflexionando. Empieza de manera muy sutil, como mero acompañamiento pero una vez transcurrido el diálogo principal va subiendo de volumen cubriendo casi totalmente las voces, salvo la que está en off del protagonista que suena en primer plano, y se prolonga durante toda la escena hasta el comienzo de la siguiente.
9. The Searchers
   Comienza la búsqueda de su lugar de encierro, tal y como aventura el título de la canción, los protagonistas en una secuencia de montaje visitan distintos restaurantes siguiendo la única pista que tienen, la comida servida durante quince años. El tema suena de forma permanente durante toda la secuencia de montaje que es la búsqueda por los restaurantes, aunque como ya ha sucedido anteriormente los efectos de sonido suenan por encima de la música. El tema continúa dentro de la casa, puesto que la búsqueda sigue, pero aquí se podría pensar que pasa a ser diegética ya que suena distorsionada, lo que da a lugar a imaginar que sale del ordenador donde se encuentra la chica, (estaríamos hablando de una diégesis fuera de campo), idea que se ve reforzada con la forma brusca con la que termina la canción, en el mismo momento que el plano.
10. Four seasons (Violin Concertos «The Four Seasons» Op.8 No.4″Winter» In F Minor. Rv.297 I.Allegro Non Molto)
    Único tema preexistente de la película, el Invierno de Las cuatro estaciones de Vivaldi. La utilización de esta melodía es por lo menos singular en esta escena. Comienza con una pequeña anticipación sobre el plano del dueño del edificio, y el tema va ganando intensidad con la escena, a la vez que descubrimos junto a Oh Dae Su donde ha estado encerrado. El primer golpe de música ayuda a cambiar el plano y llevarnos directamente a la imagen en la que el dueño del edificio va a ser torturado. La música ofrece un contrapunto a lo que se ve en pantalla y termina de manera brusca a la vez que la tortura.
    El tema se retoma cuando aparece de nuevo el dueño del edificio, se podría decir incluso que es su tema, aunque es un personaje secundario. El hecho de que vuelva a usarse esta música cuando estos personajes se encuentran de nuevo adquiere todo el sentido en cuando vemos que pretende infligirle al protagonista la misma tortura por la que le ha hecho pasar a él. Termina con el sonido diegético del móvil del dueño del edificio.
11. The Old Boy
    Repetición del tema In a lonely place con alguna variación, probablemente ajustada al plano secuencia al que corresponde, donde se ve toda la pelea que mantiene con los chicos de la banda. El uso de esta melodía en la pelea es llamativo puesto que da a la pelea una apariencia de baile, sigue al protagonista y cuando este para el tema principal de la música también reposa. Concluye poco después del plano secuencia, con el ruido del ascensor. Como en otras ocasiones la música se oye con los efectos de sonido.
12. Look Back In Anger
    Por fin el villano tiene cara y es justamente él quien motiva el comienzo de la música. Lo vemos alejarse junto con el protagonista, quien, tal y como dice la canción, mira hacia atrás con ira, atrás la vista y atrás hacia el pasado recordando el encierro. Esto se consigue con la música ya que se repite el tema de The count of Monte Cristo, aunque de manera muy variada, con más instrumentación y una mayor velocidad. La escena se prolonga hasta que estamos de nuevo en casa de la protagonista donde se podría pensar que la música está justificada cuando él se pone los cascos, mediante el recurso de la heterodiégesis, pero esta hipótesis se descarta en cuanto oímos la música desde el punto de vista del villano, la canción se acaba con la conversación telefónica que está escuchando que se repite poco después sin ningún tipo de música de acompañamiento. Como apunte mencionar que después de este tema el villano empieza a tener una presencia mayor en la película.
13. Room At The Top
    La canción entra con una anticipación media pero de manera totalmente justificada. De nuevo otra carta de presentación del villano aunque sin ser su tema. Está vez estamos en lo alto del edificio, lugar que se ha mencionado en la anterior conversación de chat que han mantenido los personajes y que finalmente tendrá más relevancia ya que será el lugar de encuentro de ellos dos. Finaliza tras una prolongación larga en la casa de ella, pasando a último plano con el sonido del móvil (de nuevo tema del malo, con una entrada muy justificada puesto que el protagonista lo menciona aunque no sea él al teléfono). Se recupera y finaliza al terminar la llamada.El tema recuerda al anterior (Look back in anger) en los juegos de escalas, aunque la melodía no es igual y se encuentra en una tonalidad más baja.
14. El rostro que añoro
    Aunque esta canción no está incluida en la banda sonora original que se comercializa, en la película tiene relevancia. Es una canción popular coreana que el protagonista ve en la televisión durante su cautiverio, con la que se masturba. Es por eso que ella promete cantarla cuando esté preparada para entregarse a él totalmente. En la película es un punto de inflexión en la relación de los personajes, ya confían totalmente el uno en el otro.
15. For Whom The Bell Tolls
    El tema de la hermana del malo. Somos transportados a él como el protagonista, mediante el tintineo de las campanas, como alusión al título de la canción. Podría incluso tomarse como el tema de la hermana y de Oh Dae Su, puesto que es con el tintineo y la canción como nos transportamos al pasado del protagonista, al momento en el que la conoció.
16. Frantic
    Similar al Dressed to kill, aunque en el comienzo sea una tonalidad más aguda, este tema es fundamental y así lo demuestra su uso, se prolonga durante varias escenas en la conversación entre el protagonista y el villano. Se ve interrumpido alguna vez para dar un mayor efecto a varias frases y cuando el malo tararea su tema a la vez que dirige la mirada de Oh Dae Su hacia la caja que marcará su destino, caja que le volverá frenético, como dicta el título de la canción.
    La música va aumentando la intensidad de la escena a la vez que sube el volumen. Por primera vez para por encima de los efectos, puesto que lo que vamos a ver es lo más trascendental desde el punto de vista del personaje protagonista.
17. The Big Sleep
    Este tema es interesante porque nos encontramos ante una diégesis figurada, ya que estamos en el sueño de él, pero es también es real, ya que vemos la fuente de donde proviene el sonido, lugar también desde donde vemos que termina. El título es remarcable puesto que va a matar a esa parte de él que sabe el secreto.

Los temas de los protagonistas

Se trata de Farewell, My Lovely, Cries And Whispers y Breathless: el tema del villano.

El tema central es Cries And Whispers, y los demás son derivados de él. Se trata de un vals con una melodía dramática, lo que apoya la idea del dolor de la pérdida por su hermana. Este tema orquestal es el oímos por primera vez cuando conocemos al villano, además el mismo lo marca como tal dando comienzo a la música en la escena en la que aparece y que se nos muestra como diegética real.

La versión de Breathless es un baile entre piano y violín, lo que vendría a ser el hermano y la hermana respectivamente, y es justo en la escena en la que están juntos cuando se oye. De hecho el tema de vals aquí tiene una peculiar connotación, puesto que el juego que ellos tienen cuando él le hace fotografías es como un baile.

Farewell, My Lovely es la despedida de la hermana, por ello el tema principal lo lleva el violín, al que anteriormente hemos identificado con ella. En la película están separados por varias escenas pero en la banda sonora, esta canción tiene dos temas: el musical que termina con el disparo, al igual que hace en la película, y el cantado por el villano mientas dirige la mirada de Oh Dae Su hacia la caja.

Recordar también las veces que se usa este tema modificado para el sonido del móvil y para la música que suena con el gas, lo que muestra hasta qué punto el malo controla la situación.

«The Last Waltz» el tema de amor

Curiosamente esta canción también es un vals, como sucedía con el tema del malo. Esto da una idea de que ellos dos no son tan distintos en el fondo.

En un principio puede parecer el tema de Mido, puesto que es con ella con quien comienza, en el pequeño flashback de su pasado, pero cuando vemos que se prolonga hasta que están los dos en cuadro ya se empieza a ver como el tema de amor.

La teoría se confirma cuando, una vez que ella le ha cantado El rostro que añoro suena la canción cuando están haciendo el amor en el hotel y en las escenas siguientes hasta que se duermen.

Por si aún queda alguna duda se repite la canción al final de la película precedida por las palabras de ella “Te quiero Dae Su”. El tema ya se deja hasta el final de la película y el principio de los créditos. El amor triunfa, se hace posible una vez que él se ha liberado del monstruo y de su secreto.

Análisis del tema «The Last Waltz»

La obra está compuesta para cuerda y viento madera: flauta, clarinete, dos violines, viola y violoncello. El compás es ternario, típico del vals, y se encuentra en una tonalidad de sol menor.

La melodía principal la lleva el clarinete y el acompañamiento las cuerdas. Este acompañamiento en pizzicato y con un planteamiento típico del vals, conformará el acorde correspondiente.

Cuando la melodía ha sido expuesta completamente por el clarinete, en su repetición entra apoyada por el violín, que le da un aire nuevo y da la sensación de seguir escuchando algo nuevo. Una vez que el clarinete termina de exponer el tema, desaparece, dejando a las cuerdas y la viola es quien toma el relevo de llevar el tema principal. Al igual que pasaba cuando el clarinete, los violines entran después de la primera estrofa tocando las octavas o las terceras de las notas de la melodía.

Después aparece la flauta por primera vez, haciendo un pasaje de pregunta respuesta con los violines, para acabar tocando juntos flauta, violines y viola la melodía de la obra a distintas alturas. Es el violín el que lleva la melodía principal mientras los otros tocan en el resto de posiciones de su acorde, dándole opacidad a la obra, y logra transmitir la sensación de que estamos ante una orquestación con tan solo cinco instrumentos.

Conclusión

A pesar de los 5 años que separan de la primera colaboración de Yeong-wook Jo y Park Chan Wook, compositor y director se entendieron a la perfección en este filme. La combinación de temas orquestales con otros más sencillos y la inclusión de música electrónica hacen de Old Boy una banda sonora que coge por sorpresa. Y es que el estilo arriesgado del músico funcionó sin problemas con la segunda entrega de la venganza.

Lo bueno de esta banda sonora y otras del mismo compositor (sobre todo sus trabajos para Park Chan Wok) es que si se escucha la música sin saber de dónde procede nos encontramos ante unos temas musicales que podría haber creado cualquier compositor americano, lo que demuestra que sabe manejarse fuera de la música convencional a la que estamos acostumbrados como la de Tan Dum o las composiciones más clásicas de Joe Hisaishi.